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EGRIBIANCODANZA SHOWCASE CRISTIAN MAGURANO

5/15/2018

Cristian Magurano | Nowhere?, EgriBianco, 2015

D. 2006. Entri a far parte del Balletto di Toscana. Quali differenze nella formazione del danzatore fra un sud - “Centro Danza Degas di Cannole”- e un nord quotatissimo?

R. Il mio percorso come danzatore inizia a 15 anni. Un'età già avanzata per chi ambisce alla carriera del ballerino professionista. Una piccola scuola di paese quella in cui ho mosso i miei primi passi, ma che vantava validi maestri in diverse discipline. Un luogo in cui la danza si praticava in modo professionale e dove la tecnica veniva messa in primo piano, sia nel classico che nel modern-jazz. Una scuola che si prendeva cura dei propri allievi, non solo dal lato artistico ma anche da quello psicologico, che li accompagnava attraverso un percorso di preparazione volto ad affrontare il mondo delle audizioni.

Cercando di trasmettere il messaggio che la danza è un'arte viaggiatrice, infatti, furono proprio i miei maestri a spingermi verso una formazione ancor più professionale lontana dal mio paese d'origine, consigliandomi la scuola del Balletto di Toscana. Ringrazio il mio primo maestro che, dopo 4 anni di formazione, mi accompagnò personalmente per sostenere l'audizione a Firenze. Entrai così a far parte di una delle migliori scuole di alta formazione nel panorama della danza italiana, nella quale si alternavano lezioni di vario stile.

Questa grande varietà permetteva di sperimentare vari generi di danza e di capire quale fosse lo stile più affine alle proprie capacità e al proprio talento. Si contavano centinaia di allievi e si formavano classi che, se nel piccolo centro di formazione del Sud arrivavano ad un numero di circa 15 danzatori, qui contavano numeri nettamente maggiori. Ogni ragazzo ambiva a realizzare il proprio sogno.

Tante ore di allenamento, tanta competizione e tanto giudizio. L'insegnamento era decisamente ad un livello più avanzato e, in una classe dove il livello degli allievi era differente e non omogeneo, spettava al danzatore con delle carenze tecniche mettersi in pari con il resto della classe. Scuola dal forte impatto psicologico dove, molti rinunciano alle proprie ambizioni perché non si sentono all'altezza degli standard richiesti, altri perché realizzano che non è la vita che si aspettavano di fare, mentre coloro che riescono a sostenere la pressione imposta dal duro lavoro di formazione, riescono a diventare dei danzatori qualificati in grado di affrontare il mondo del lavoro.

Una scuola dove ti insegnano a lottare quotidianamente per ottenere sempre il massimo e che forgia nel profondo il carattere. Quindi, se da un lato abbiamo un Sud che si prende cura del singolo allievo, dall'altro abbiamo un Nord quotatissimo che mostra il lato più competitivo, più duro e, per certi versi, più vero della danza, lasciando spesso l'allievo in balia del proprio destino.

D. Roberto Zappalà e il Corpo. Di cosa si è arricchito il tuo bagaglio personale?

R. Un occasione persa quella con Zappalà. Purtroppo, causa motivi di lavoro che mi legavano a Firenze, ho dovuto rinunciare ad un corso di formazione che credo sia molto qualificante per un danzatore che oggigiorno affronta il panorama della danza contemporanea europea.

D. 2011 | Entri a far parte della Compagnia EgriBianco. Quanto della tua personale esperienza trova spazio all'interno del gruppo?

R. L'anno 2011 è stato un anno importante per me poiché vedevo realizzarsi un sogno e vedevo ripagati tutti i sacrifici fatti fino a quel momento. E' stato l'anno in cui sono entrato a far parte della compagnia Egribiancodanza, tappa importante per la mia carriera da danzatore. Quello che fin da subito ho cercato di offrire alla compagnia era esattamente quello che io ero e che rappresentavo, non solo come danzatore ma anche come artista attraverso le mie esperienze.

Ero l'ultimo arrivato in un gruppo che si stava consolidando, che aveva trovato un proprio spazio, ma che allo stesso tempo lasciava aperte le porte a nuovi elementi che potessero condividere non solo le proprie competenze tecniche come nelle fasi di creazione di un nuovo lavoro, ma anche il lato più umano del danzatore in quanto persona, con un vissuto da raccontare e con qualcosa da trasmettere.

Tutto questo grazie all'impronta artistica della compagnia delineata dalla figura del Direttore e Coreografo Raphael Bianco, una persona capace di cogliere da ogni danzatore, nella sua diversità, gli aspetti tecnici e umani che è in grado di offrire, e farne componenti di lavori sempre differenti. Questo ha permesso che tutto di me, negli anni, abbia trovato spazio all'interno della compagnia.

D. 2014 | Inizi il percorso di formazione coreografica e vinci il premio Solocoreografico. Come si arricchisce il punto di vista di un danzatore nel momento in cui ha a disposizione anche la trasmissione di un messaggio e non solo la sua esecuzione?

R. Spesso i ballerini vengono visti come macchine e spesso vengono educati proprio a questo: alla pura esecuzione. Immaginiamo invece la magia di un danzatore che riesce a prendere coscienza di sé e gestire con consapevolezza le proprie emozioni, incanalandole nel corpo e, attraverso il movimento, condividerle con un pubblico pronto ad emozionarsi guardandolo.

L’uomo, di per sé, non è un essere asettico, non è una macchina. Di conseguenza anche nell’immobilità o in una semplice posizione neutra l’uomo esprime un emozione, suscita un pensiero e, in qualità di danzatore, ho sempre cercato di fare della trasmissione di un messaggio il mio credo. Forse proprio questo mi ha spinto a cimentarmi nell’arte della coreografia.

Indubbiamente un ballerino che si applica non solo nella danza ma anche nella coreografia, diventerà uno strumento ancora più malleabile e ricettivo nelle mani di un coreografo. Un danzatore che riesce a cogliere il senso profondo del gesto immedesimandosi nei diversi ruoli, che si interroga su ogni gesto provando a dargli un significato, che analizza con occhio critico il lavoro cui è sottoposto e trova il modo di renderlo proprio pur mantenendo un rigore tecnico e drammaturgico, credo possa vivere e far vivere un'esperienza della danza più completa e più matura attraverso una serie d'insegnamenti e regole acquisite durante un percorso formativo che cerca di approfondire la conoscenza della gestualità e della trasmissione di un messaggio tramite diversi punti di vista.

Queste credo siano alcune delle ricchezze che un danzatore acquisisce nel seguire un buon percorso di formazione coreografica.

D. Io Sono. Ricordi? Dis-ordine. Le tue opere nascondo un'esigenza comunicativa forte e personale. Si piange a volte danzando le proprie emozioni?

R. La danza è un mezzo di comunicazione molto potente. Si piangono spesso le proprie emozioni danzando. A volte accade nel vero e proprio senso della parola, ma non sempre con un'accezione negativa. Poter vivere l’emozione di toccare la propria anima danzando smuove i pensieri più profondi, pensieri reconditi spesso soppressi. Può far scendere lacrime così come generare grandi sorrisi.

Questo, più di tutti, è ciò mi ha portato a fare della danza la mia vita ed è quello che, come coreografo, mi auguro di poter fare e tramandare con le mie opere. Esprimere un pensiero, aprire la mia mente e condividerla con un pubblico bisognoso e voglioso di vivere un esperienza, bella o brutta che sia.

Ho combattuto molto nella mia vita per ottenere dei risultati e raggiungere degli obiettivi e non sempre è stato facile. Quindi, quale migliore mezzo, se non la danza, per raccontare se stessi e porre o porsi delle domande permettendo ad un mondo sempre più frenetico di fermasi ed emozionarsi insieme.

D. Wind e Connessioni imprevedibili. Forma ed energia. Quale la ricerca del movimento contestualizzata ai titoli?

R. Due lavori differenti, due differenti approcci alla creazione. “Wind” è un vento che genera movimento, dà vita al corpo e crea relazioni. Tutto il lavoro è basato sulla non staticità dettata da correnti d'aria (di un ventilatore in questo caso) che muovono i corpi in modo aleatorio, che genera gesti e dinamiche astratte che, rielaborate e assemblate, hanno dato vita a “Wind”.

Quindi è proprio il vento il protagonista di questa creazione, soprattutto nella ricerca gestuale e nell'utilizzo dello spazio. “Connessioni imprevedibili”, invece, ha seguito un percorso inverso. Mentre per “Wind” sono partito da quello che il titolo mi ispirava per creare l'intera coreografia, al contrario per “Connessioni imprevedibili” sono giunto al titolo solo alla fine del percorso di creazione, lasciandomi ispirare dal lavoro compiuto.

Partendo da un idea di rapporti, di relazioni, di incontri tra persone sconosciute e ricercando insieme ai ballerini, attraverso delle improvvisazioni, una gestualità del quotidiano che potesse incontrarsi e fondersi con l'idea stessa di relazione. Da questa ricerca è venuto fuori che tra questi individui si creavano delle connessioni sempre diverse, imprevedibili, dalla natura incerta, accomunate quasi sempre dal bisogno di contatto e di sostegno reciproco. Come anticipato prima, quindi, è proprio il lavoro che ha ispirato e suggerito il titolo.

gb

APPROFONDIMENTI
SHOWCASE

SHOWCASE | VINCENZO CRINITI

SHOWCASE | EDIZIONE 12

SHOWCASE | EDIZIONE 13

COMPAGNIA EGRIBIANCODANZA

QUEER CELEBRATE YOURSELF DAVIDE MONETTO INTERVISTA ALICE ARDUINO

5/2/2018

"Celebrate yourself" 2017, locandina

Il 4 maggio verrà inaugurata al MAU – Museo di Arte Urbana una mostra fotografica di Alice Arduino dal nome “Celebrate Yourself”. Trentacinque ritratti fotografici, accompagnati da interviste. Immagini e storie di vita quotidiana, che tratteggiano le personalità dei protagonisti, anche del loro essere gay, lesbiche, trans. La volontà è quella di sensibilizzare su temi sentiti dalla comunità LGBT, ma l'esigenza artistica di Alice sta anche nell'identificarsi con le storie degli altri, conoscendole attraverso il racconto. La conoscenza in questa mostra passa attraverso il rispecchiamento e l'empatia.

In Homosexuality: storie di vita quotidiana, un suo lavoro del 2013, omini Lego si abbracciavano, convolavano a nozze, andavano in vacanza col compagno e i figli. Quattro anni dopo, l'espediente che suggeriva l'esistenza di vite non ancora così rappresentate, è sostituito da persone che vivono quella vita, e la raccontano parlando di sé serenamente. Gli scatti mettono a fuoco la quotidianità, e sono privi di retorica o di intenti didascalici. L'epoca delle rivendicazioni sta lasciando il passo alla esigenza di raccontarsi per quello che si è, mettendo a disposizione degli altri il proprio vissuto quotidiano. Sta anche in questo la volontà di attivista di Alice Arduino: far sì che si esca allo scoperto. Non tanto per “rivendicazione” o “affermazione di sè”, ma perchè, al giorno d'oggi, c'è la possibilità per tutti di vivere, e viversi, serenamente, senza freni o filtri.

Un lavoro lungo e paziente ha trasformato l'urgenza di testimoniare di Alice in ritratti morbidi, che trasmettono la relativa sicurezza di persone che hanno trovato, nel continuo scorrere ed evolversi della vita, un loro posto e una loro dimensione.

D. Qual é il tuo rapporto con il MAU? Come è cominciato?

R. Il tutto è iniziato nel 2013 quando ho partecipato ad un concorso indetto dal MAU “Leggi=Ama”. La mia foto dal titolo “There is a letter for you” aveva vinto ed era stata esposta alla BAM - Biennale d’Arte Moderna - Contemporary Photobox presso la sala espositiva dell'NH Lingotto Tech di Torino. La foto vincitrice apparteneva al progetto “Homosexuality: storie di vita quotidiana”. Lo stesso anno il MAU mi propose di esporre il progetto per intero con tutte le foto realizzate. Da allora è iniziata la collaborazione con il Museo e ogni anno espongo con loro.

D. Ti concentri molto su tematiche relative all'omosessualità, inoltre scattare delle foto per te è raccontare delle storie: in cosa ti rispecchi di più, come persona oltre che come fotografa e attivista, negli incontri che hanno portato agli scatti?

R. Nelle mie immagini c’è la volontà di raccontare delle storie e nei miei progetti metto la mia esperienza, vissuto, vita. Attraverso questo mi pongo delle domande e cerco di trovare risposte. La mia è una fotografia “ribelle” e “riflessiva” che ha lo scopo di far ragionare le persone che osservano i miei lavori. Per Celebrate Yourself sono partita dal mio attivismo negli anni a come ho affrontato il mio coming out, le difficoltà e le gioie. Mi sono chiesta quale fosse il percorso fatto da altri e l’importanza di “metterci la faccia” nel raccontarsi per dare l’esempio a chi ancora non è “uscito allo scoperto”. Allo stesso tempo non volevo parlare solo alla comunità lgbt ma a tutti/e portando il mio progetto a superare le etichette “lesbiche, gay, bisessuale, transessuale” facendo conoscere le persone con i loro hobby, passioni, lavori, principi, valori e vita quotidiana. Credo fortemente che le barriere e i pregiudizi si possano superare attraverso la conoscenza delle persone.

D. Ti occupi anche di matrimoni e eventi sportivi: il tuo lavoro con committenti che ti chiedono di rappresentarli in un momento per loro importante ha influenzato il tuo modo di rapportarti con i protagonisti della tua mostra?

R. Cerco sempre di essere empatica, di capire le persone e immedesimarmi in loro. Ma il lavoro si svolge su piani diversi: negli eventi sportivi cerco di catturare le emozioni, fatiche e l’azione del gioco; nei matrimoni mi concentro sugli sguardi, situazioni, dinamiche e relazioni tra gli sposi (o le spose) e gli invitati. Diventa quindi un reportage che narra la storia del momento. In entrambi segui la scena e la fotografi devi quindi essere molto attento a ciò che capita davanti ai tuoi occhi. I miei progetti, invece, sono ragionati, pensati. Prima mi chiedo cosa voglio rappresentare, perché è necessario farlo e poi come tradurlo in immagini. C’è quindi uno studio a priori che dura molto tempo. L’obbiettivo è sempre far passare il messaggio nel modo più semplice e comunicativo possibile. Ciò che si vede in una immagine è il risultato di mesi di lavoro a tavolino, di contatti, diffusione e promozione del progetto.

D. Gli scatti avvenivano prima, durante o dopo l'intervista? È stato difficile costruire una atmosfera di fiducia e naturalezza?

R. Ho cercato di creare un rapporto di fiducia con le persone perché stavano parlando e raccontando di sé ad una estranea. Ho impiegato molto tempo a parlare del progetto a spiegarlo e solo dopo c’è stato l’incontro con gli intervistati. Prima dell’intervista incontravo le persone si parlava e scherzava un po’ per sciogliere la tensione, dopo iniziava l’intervista fatta in modo informale e attraverso una chiacchierata. Credo che questo abbia permesso di mettere le persone a proprio agio. Solo a fine intervista realizzavo la foto, gli intervistati erano più rilassati e spontanei, avevo avuto modo di conoscerle meglio e capire come fotografarle, in che posa metterle e dove, all’interno dello spazio in cui avveniva l’incontro. L’immagine, diventava la fase finale, il momento in cui catturavo la loro essenza, utilizzando talvolta lo sfondo come componente del racconto fotografico e relazione con l’individuo nel suo ambiente.

D. Da “Homosexuality: storie di vita quotidiana (2013)” a “Celebrate Yourself (2017)” passando per lavori che trattano l'attraversamento dei ruoli di genere in “Drag King: uno Sguardo sui Generi (2013)” o esplorano l'uso del corpo e la sua rappresentazione, come “Raggi X (2014)” e “Jacket & Naked (2016)”. L'evoluzione dei temi trattati rispecchia il dibattito pubblico sulla sessualità e sul corpo di questi anni o è una tua evoluzione personale?

R. È entrambe le cose. Il mio percorso personale è fondamentale perché nei miei progetti mi interrogo su ciò che voglio rappresentare, sul tema da trattare e su come realizzarlo. La mia esperienza va di pari passo con il tempo in cui vivo, con le lotte che faccio e che avvengono in Italia. Sono una donna, lesbica, attivista, ribelle, anticonformista e queste componenti creano la base su cui si sviluppano i miei lavori, realizzati con sfumature e indagini sul corpo e la sessualità in modo differente.

D. Celebrate Yourself è un progetto chiuso o vorresti arricchirlo con altre interviste e altri scatti? C'è qualcos'altro che vorresti esplorare della vita e del percorso di persone LGBT?

R. È stato difficile trovare 35 persone che volessero fotografarsi e raccontarsi. Non tutti/e sono disposti a metterci la faccia a dire apertamente chi sono. C’è ancora molta paura di essere giudicati e discriminati. Molte persone contattate si sono tirate indietro, altre avevano problemi sul lavoro o non lo avevano detto ai genitori e non ho trovato nessuna famiglia arcobaleno che volesse fare una foto con la famiglia, forse anche a causa dei figli minorenni. Credo ci sia ancora molto lavoro da fare sulle tematiche lgbt, molte sfumature da narrare e rappresentare. È necessario continuare a parlarne per sensibilizzare e portare l’attenzione su questi temi alle istituzioni. Celebrate Yourself potrebbe continuare qualora avesse le attenzioni di Comune e Regione che vogliano diffondere e promuovere il progetto attraverso i loro canali e spazi. In questo caso, potrei creare nuovi ritratti e pensare ad una mostra più grande, dinamica e interattiva inserendo le interviste complete anche con l’audio da ascoltare.

Non so dirti cosa vorrei ancora esplorare sulla tematica lgbt. Cerco sempre di trattare il tema in modo semplice e simpatico dando un’immagine positiva cosicché le persone possano identificarsi con chi rappresento. Forse, davanti all’attuale situazione politica italiana e con l’avanzare di estremismi e ideologie razziste e fasciste potrei affrontare il tema della violenza e della resistenza. Ma è solo un’idea. La verità è che ci sono molti temi che mi stanno a cuore, come la disabilità, la povertà, la disoccupazione, il sessismo e la violenza verso le donne. Vorrei essere identificata come una fotografa che si impegna per i “diritti umani” nella lotta verso le minoranze e non solo per quelle lgbt. Le dinamiche discriminanti sono molto simili, come l’esclusione, l’indifferenza, l’intolleranza, l’abuso e sopruso. Per me, la fotografia è denuncia e come tale c’è molto di cui parlare.

www.alicearduino.com